Scènes Magazine

Genève : “Butterfly Lovers“

2010-09-02T13:20:17Z

Dans le cadre de “Culturescapes China“, Prestige Artists présente « Butterfly Lovers », un opéra Yue dans la pure tradition des opéras chinois, les 18 et 19 septembre prochains au BFM, donné par la troupe Xiaobaihua de la province Zhejiang.

La venue de cet opéra Yue à Genève s'inscrit dans le cadre de “Culturescapes“, organisme important qui produit chaque année des animations culturelles, surtout en Suisse alémanique, en mettant en avant à chaque fois un pays différent.
Les acteurs, chanteurs, musiciens, techniciens et assistants – en tout, 56 personnes se déplaceront de Shanghai à Genève – seront accompagnés par des personnalités importantes du milieu culturel et politique chinois. Entre autres, des représentants du Ministère de la Culture à Beijing et de la province de Zhejiang, seront du voyage.
En 1954, Zhou Enlai avait fait une visite officielle à Genève, en apportant avec lui Butterfly Lovers en version cinématographique. Cette rencontre a été le début des relations commerciales sino-suisses qui fêtent cette année leur 60ème anniversaire. Le retour à Genève de Butterfly Lovers en version scénique revêt donc un intérêt tout particulier pour notre cité.

Opéra chinois traditionnel Yue L'opéra Yue est né dans la province de Zhejiang, ancien royaume des Yue. Il s'est fait connaître au début du 20ème siècle et a été particulièrement florissant à Shanghai dans les années 30 et 40. Interprété uniquement par des femmes, l'opéra Yue est un des opéras locaux les plus populaires de Chine. L'ensemble Xiaobaihua a été fondé en 1984 et a remporté de nombreux prix de haut rang.


« Butterfly Lovers »

Synopsis C'est l'histoire d'une jeune fille, Zhu YingTai, originaire de Shangyu, que ses parents habillent en garçon afin qu'elle puisse aller étudier à Hangzhou, une école interdite aux filles.
Lors de son voyage, elle rencontre Liang Shan bo. Ils étudient ensemble pendant trois ans, période durant laquelle leurs liens se sont renforcés. Lorsque vient le moment de se quitter, Zhu propose à Liang d'épouser sa sœur factice (qui n'existe pas). Le jeune homme séjourne donc chez son ami(e), il découvre alors sa vraie nature féminine et ils deviennent amants.
Malheureusement, les deux amoureux viennent de milieux différents, et les parents de Zhu YingTai refusent qu'ils se marient. Bien qu'éprise, Zhu est déjà promise à Ma Wencai. Ils décident alors de se suicider, et ils se transformeront en papillons.

Bâtiment des Forces Motrices Genève
Samedi 18 sep. 2010 à 20h
Dimanche 19 sep. 2010 à 19h

LOCATION : FNAC – www.fnac.ch Fribourg, Lausanne, Genève : Rive, Balexert

Editio no. 225 : Avignon, joies de la déception

Julien LAMBERT — 2010-08-28T15:59:41Z

Comment se fait-il qu'au retour d'une semaine en Avignon, on puisse se sentir régénéré, nourri de sensations nouvelles, content de « son » Festival, en étant pourtant souvent sorti déçu des spectacles ? Serait-ce dû au seul plaisir d'avoir quitté les rives du réel pour vivre un temps de pure contemplation, dans une fabuleuse ville-théâtre peuplée de citoyens-spectateurs ?

Il y a de cela dans le « phénomène Avignon », indéniablement. Serait-ce que le off et sa ribambelle de spectacles – plus de mille cette année - offre une distraction salvatrice aux fidèles du Festival officiel ? Postés à la sortie d'une salle du in, d'opportunistes propagandistes promettent aux spectateurs maugréants que « s'ils sont déçus », leur spectacle au contraire est « léger et plein d'humour »... Cette année on a vu un spectateur gratifier Marthaler d'un doigt « d'honneur » sur la scène même de la Cour du même nom, un autre crier « amateurs » à la fin de Richard II. Malgré certains succès unanimes, la presse a parfois estimé que la programmation officielle était globalement un échec...

C'est dans cet adverbe « globalement » que peut se loger la réponse. Adverbe paradoxal -puisque les spectacles sont conçus isolément - mais qui témoigne du souci de cohérence et d'équilibre des programmateurs, comme de l'impression que le Festival fait chaque année un état des lieux global des tendances artistiques. Vilar déjà disait trouver en Avignon une autre temporalité, propice à la réflexion. Quand décantent les satisfactions et des déceptions éparses, dont témoignent les compte-rendus, le spectateur comme le critique reconstruit dans sa conscience une définition toujours nouvelle du théâtre, une conception nouvelle du champ des possibles qu'il ouvre. Cette année il aura découvert des écritures, entendu des traductions neuves de grands textes, été piégé par des formes inclassifiables, des constructions de sens souterraines comme celles de Marthaler. Il a vu le théâtre s'alimenter à la source vivifiante de la danse, flirter avec l'ethnographie ou les innovations technologiques, avec le risque d'y perdre la simplicité fondatrice du geste théâtral, mais aussi de la voir magnifiée. Apprendre, découvrir, cela passe par des chocs, des allergies... un chemin que font main dans la main spectateurs et artistes, qui eux aussi, à la manière de Philippe Quesne ou de Falk Richter, témoignent avec amertume ou cynisme de leur peine à dépasser l'éternelle réaffirmation de leur art, ou à répondre aux questions de l'Histoire. Ces tentatives, au moins, marquent les artistes dans leur corps et les spectateurs dans leur conscience vivante, durablement donc !

Tout ce que globalement le off ne peut justement pas proposer, arrimé à l'instantané du carnaval de rue consommé distraitement entre deux glaces. One-man-shows et nanars des multiplex théâtraux étouffent même dans leur prolifération les fameuses quelques « perles » du off dont on peine toujours plus à trouver la trace. Espérons qu'au milieu de ce grand bordel, les spectateurs continueront de se frayer un chemin vers les salles du Festival officiel, pour y avaler ses pilules parfois amères, mais assurément plus nourrissantes.

Julien Lambert

Sommaire No. 225 - Septembre 2010

2010-08-28T15:56:10Z

cinéma

cine die / raymond scholer
entretien : jean-stéphane bron / firouz-elisabeth pillet
entretien : abbas kiarostami / firouz-elisabeth pillet
entretien : mathieu amalric / firouz-elisabeth pillet
les films du mois / firouz-elisabeth pillet

opéra

entretien : alberto zedda / françois jestin
portrait : damiano michieletto / françois jestin
festival de zurich : salome, la traviata, der freischütz & der rosenkavalier / eric pousaz
à lyon : tchaïkovski superstar ! / françois jestin
à montpellier : la traviata / françois jestin
opéra du rhin : relève assurée / eric pousaz
opéra du rhin : jenufa / eric pousaz
mémento

festivals

beaune : alessandro / pierre-rené serna
beaune : bellérophon / frank fredenrich
aix-en-provence : contrastes / françois jestin
chorégies d'orange : compte-rendu / françois jestin
montpellier et radio-france : 25ème anniversaire / françois jestin
montpellier danse / bertrand tappolet
monaco dance forum / emmanuèle rüegger
avignon : obsessions textuelles / julien lambert
avignon : langages scéniques / stéphanie lupo
avignon : états de corps / bertrand tappolet
ambronay : calendrier des spectacles
les festivals de l'été / claire brawand, martine duruz, pierre jaquet
zermatt festival : présentation / claire brawand
ambronay : parutions discographiques / catherine fuchs

les programmes

les saisons 2010-2011

entretien : lorenzo malaguerra / claire brawand

théâtre

entretien : jérôme robart / julien lambert
à genève : calvin, un itinéraire / christophe rime

musique

orchestre de la suisse romande : saison / martina diaz
portrait : martha argerich / emmanuèle rüegger
entretien : david greilsammer / frank fredenrich
portrait : pascal grimoin / frank fredenrich
entretien : denis schuler, compositeur / claire brawand
entretien : girolamo bottiglieri / claire brawand
portrait : carlo rizzi / pierre jaquet
septembre musical : daniele gatti / christian wasselin
septembre musical : david zinman / eric pousaz

expositions

fondation de l'hermitage : edward hopper / sarah clar-boson
fondation gianadda : nicolas de staël / sarah clar-boson
mémento beaux-arts : france
mémento beaux-arts : ailleurs
mémento beaux-arts : suisse romande
mémento beaux-arts : suisse alémanique
ferme de la chapelle : in vivo / françoise-hélène brou
musée folkwang, essen : renouveau / régine kopp

paris

festival d'automne / régine kopp
opéra de paris : kaguyahime / stéphanie nègre
comédie française : saison / régine kopp
opéra à paris : pelléas en ses murs / pierre-rené serna
sélection musicale / françois lesueur
mémento théâtre
mémento expositions

les mémentos

Film du mois No. 225 : “Millenium II“

Sita POTTACHERUVA — 2010-08-01T15:56:00Z

Le deuxième volet de l'adaptation cinématographique de la trilogie littéraire à succès mondial de l'auteur suédois Stieg Larsson, « Millenium », et dont la traduction française a permis le lancement d'une nouvelle collection de romans noirs à Actes Sud, Actes noirs, est en salle depuis le 30 juin 2010.

Ce délai d'un an et un mois après le premier film Les hommes qui n'aimaient pas les femmes correspond, tel un miroir fidèle, à l'intervalle de l'intrigue entre le premier roman et le deuxième.
L'attente de ce deuxième opus se trouvait à la hauteur à la fois du succès littéraire, et de la brillante adaptation du premier volet par le réalisateur danois Niels Arden Oplev, qui avait su garder une bonne distance d'adaptation avec le texte. S'éloignant suffisamment du roman pour émanciper le style du film et lui donner sa propre autonomie, il avait su rendre visuellement autant l'atmosphère oppressante et nordique du roman que créer une dynamique de suspens et de violence inhérente aux enjeux de l'intrigue et aux caractères de certains personnages, comme le duo pervers du tuteur-violeur Nils Bjurman et de sa pupille asociale à l'intelligence hors norme, Lisbeth Salander. Cette dernière est incarnée par la révélation de ce premier film, l'actrice polymorphe Noomi Rapace, qui, sous l'œil de Nils Arden Oplev, crève littéralement l'écran.

Axe central et enjeu
Le personnage salandérien est à la fois l'axe central de l'œuvre de Stieg Larsson et tout l'enjeu du film. Elle est l'écran, au sens propre et figuré, des différentes critiques sociales acerbes que l'auteur des romans tisse avec une gradation d'intensité quasi insoutenable, pour mieux dénoncer des injustices à plusieurs niveaux. Le vécu de cette héroïne noire dépasse l'entendement tout en l'ancrant dans la banalité du réel en offrant ainsi un exemple paradigmatique de critique sociale à la limite de l'absurde. Or, c'est précisément dans ce deuxième volet que Lisbeth Salander, tout en se révélant au public, opère une véritable mutation. L'amazone du futur, parfaite hackeuse moderne et génie du web, va devoir vaincre les démons de sa propre histoire personnelle, histoire qui ressurgit malgré elle, dans un faisceau de circonstances violentes l'obligeant à se confronter in fine à son propre père.


Michael Nyqvist dans « Millénium » de Daniel Alfredson

L'intrigue, magistralement orchestrée par Stieg Larsson, permet de faire naviguer ses personnages dans tous les niveaux de sa critique. Le récit-cadre, pour ce deuxième volume, se situe dans la rédaction du journal Millénium, où Michael Blomkvist, à l'aide de deux étudiants, enquête sur des crimes qui impliquent de jeunes femmes prostituées dans un réseau où gravitent des hommes hauts placés. Millénium compte bien démasquer certains de ces dirigeants impliqués dans ledit réseau et publier ce dossier fracassant. La publication est alors brutalement ajournée, car les deux étudiants enquêtant sur ces crimes se font sauvagement assassiner. Or, la suspecte désignée n'est autre que Lisbeth Salander, en raison d'une part de son passé d'internement en psychiatrie, et d'autre part des empreintes trouvées sur l'arme du crime. Michael Blomqvist, qui n'avait plus de nouvelles de Lisbeth Salander depuis plus d'un an, découvre la comparse de sa première enquête (les hommes qui n'aimaient pas les femmes), en tableau caricatural de psychopathe dangereuse surmédiatisée.
Il n'en reste pas moins persuadé de l'innocence de la suspecte et se lance dans l'enquête avec une motivation double : dénoncer le trafic de prostitution impliquant des dirigeants, donc des politiciens – et là nous retrouvons la critique virulente de Stieg Larsson sur l'intelligentsia et la politique suédoise –, mais également désigner les travers d'un journalisme et d'une presse à scandale qui a perdu toute déontologie, sujet tout à fait personnel à l'auteur. S'opère alors un subtil renversement des rôles dans le tandem improbable Blomqvist-Salander. Le journaliste doit déployer toute sa perspicacité et son intelligence pour préserver son lien avec une Lisbeth Salander condamnée désormais à opérer en cachette, masquée et traquée, tout en revisitant son éthique rigoureuse. De même, notre Amazone moderne, prise dans l'étau de la police et de ses poursuivants, doit adapter son mode opératoire et revoir sa morale personnelle en permettant à Blomqvist de l'aider. Lui agit en pleine lumière et peut ouvertement utiliser ses ressources, elle doit opérer dans l'ombre en tentant de devancer ses poursuivants, comme si d'ailleurs elle incarnait à elle seule un de ses logiciels cryptés qu'elle affectionne. Plus l'enquête avance, plus les révélations sur le passé de la jeune femme, détournées et amplifiées par les médias, mettent la confiance du journaliste en sa partenaire à mal : ce mécanisme, poussé à l'excès par l'auteur, permet d'ajouter une critique sociale à celle des médias. Il semble terriblement facile, par exemple, d'interner une mineure en psychiatrie pour plusieurs années, afin qu'elle ne devienne pas un témoin gênant concernant un certain Zalachenko, qui n'est autre que le père de Lisbeth. Il suffit pour cela que des hommes influents se rencontrent au-delà de tous les principes éthiques et déontologiques. Là se situe probablement le renversement le plus significatif voulu par Stieg Larsson. Toute les instances institutionnelles éclatent par leur perméabilité, leurs incohérences et malversations, alors que les victimes désignées, elles, parviennent par leur morale propre à rendre justice.
Dans ce but, Lisbeth Salander expose son histoire personnelle pour mieux la surmonter et l'affronter. La rédemption de Larsson passe par la violence et la confrontation pour Lisbeth Salander avec son propre père. Un affrontement aux allures gothiques, voire presque fantastiques, caractéristiques proches de la science-fiction, un genre que l'auteur maîtrisait parfaitement.

Challenge
Avec une intrigue aussi dense et des personnages aussi puissants, l'adaptation cinématographique devient un challenge que Daniel Alfredson, réalisateur suédois, n'est pas parvenu à relever. Les problèmes sont multiples, mais l'effet global général est malheureusement une perte de densité et de noirceur inhérentes à l'intrigue, aux personnages, et à une Suède dépeinte en univers quasi concentrationnaire par Stieg Larsson.
Cette baisse d'intensité est certainement tout d'abord due à un problème de structure et de rythme dans le film qui s'est vu parasité par la version télévisuelle, version notamment diffusée sur Canal + de fin mars à avril 2010. L'organisation télévisuelle de la narration, qui prend sens dans une diffusion par épisodes, même quelque peu adaptée pour le cinéma, perd tout son effet sur grand écran.


Noomi Rapace dans « Millénium » de Daniel Alfredson

Si certains critiques ont expliqué aussi le changement de réalisateur pour ce deuxième volet par la volonté de rapprocher la version cinématographique au plus près du texte de Stieg Larsson, alors cette version offre des aléas non seulement irrespectueux du texte, mais desservant le caractère même des personnages. Par exemple, l'omission d'un épisode peu avant le dénouement de l'intrigue enlève une part active au personnage de Michael Blomqvist. Il s'agit de la scène où le journaliste voit Ronald Niederman, le géant blond soi-disant invincible, car insensible à la douleur, s'enfuir sur la route après l'affrontement avec Lisbeth Salander. C'est précisément Michael Blomqvist qui va parvenir à neutraliser cet adversaire, non sans une touche d'ironie au passage. Cela peut paraître un détail, néanmoins, cette scène fait partie d'autres anecdotes où l'auteur a voulu précisément souligner ce subtil renversement des rôles entre le journaliste et la hackeuse, lui devenant de plus en plus offensif et actif, et elle perdant de sa force face à des adversaires imperturbables. Cette omission montre combien la version d'Alfredson n'a pas su rendre l'évolution de la relation Blomqvist-Salander, et fait du journaliste un pâle suiveur d'une Lisbeth toujours un pas en avance sur lui. L'interprétation également qui est faite de l'interrogatoire que la hackeuse fait subir à Per-Ake Sandström afin d'obtenir les noms de ceux qui opèrent dans le réseau de prostitution dessert plusieurs aspects. En choisissant de terminer l'épisode par l'arrivée de la fille de Sandström, élément qui n'existe pas du tout dans le texte, est ainsi enlevé la caractéristique principale de l'héroïne, soit sa parfaite maîtrise de ses opérations. Dans le récit, c'est elle qui met fin à l'interrogatoire mené avec froideur et succès et qui quitte les lieux. L'intensité également du personnage de Sandström aux prises avec sa culpabilité et sa peur de mourir n'est finalement qu'esquissée à l'écran.
De plus, l'évolution du personnage même de Lisbeth Salander est totalement avortée, ôtant par là-même précisément cette humanisation progressive de son caractère facilitant l'identification. Car, le réveil intrusif de son passé va permettre non seulement l'introspection de l'héroïne, mais aussi sa transformation, tant dans son échelle de valeurs, sa relation aux autres, que dans son rapport à elle-même. Éléments amenés en fines touches dans le texte tout au long du récit. Le lecteur assiste ainsi à une féminisation de Lisbeth, comme lorsqu'elle décide de se faire des implants mammaires qui seront savourés par sa partenaire Myriam Wu, ou qu'elle enlève progressivement piercings et tatouages, pour finalement laisser venir à elle tout son monde émotionnel.
Aux problèmes du rythme dans la structure, de l'interprétation contre-productive du texte et des omissions dommageables, s'ajoute le manque d'effets stylistiques et visuels qui auraient pu compenser quelque peu les travers structuraux. Le spectateur attend non seulement de retrouver ses personnages quittés il y a plus d'un an dans le premier volet de la trilogie, mais il a hâte surtout de sombrer dans cette atmosphère oppressante jusqu'à l'étouffement, de trembler de suspens jusqu'au paroxysme et de goûter quelque peu au monde mental gothico-punk de Lisbeth Salander. La vision crue de la violence d'un Quentin Tarantino sachant choisir des bandes sonores éclectiques, l'intrusion dans l'univers mental des personnages jusqu'à perdre le spectateur, comme sait si bien le faire un David Lynch, ou le travail de l'image d'un Lars Von Trier sont autant d'exemples d'un véritable style cinématographique mettant le texte ou le scénario en valeur, sans le desservir.
Par analogie avec l'obsession mathématique de Lisbeth Salander dans le jeu des équations et le théorème de Fermat, nous pouvons dire que l'équation de cette adaptation alfredsonnienne n'est pas satisfaite par toutes les valeurs imaginables des inconnues, et donc finalement, n'a pas d'identité.

Sita Pottacheruva

« La fille qui rêvait d'un bidon d'essence et d'une allumette » (flickan som lekte med elden), de Daniel Alfredson, avec Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Lena Endre, film suédois, durée : 2H15, sortie le 30 juin 2010.

Portrait : Alberto Zedda

Pierre JAQUET — 2010-08-01T15:43:00Z

Défenseur de l'art lyrique transalpin, Alberto Zedda est un chef dynamique et communicatif qui sait obtenir de ses musiciens et chanteurs des miracles de nuance et une dynamique proprement enthousiasmante. Il faut rendre cet hommage à ce chef d'une autre génération : son enthousiasme se traduit clairement par un résultat artistique de haute volée.

Pédagogue, Alberto Zedda entraîne souvent avec lui une équipe de jeunes chanteurs. Mais derrière cette image paternelle et généreuse se cache un érudit et un musicologue.

Portrait
Né à Milan en 1928, ce musicien a débuté sa carrière de chef sous la houlette de Carlo Maria Giulini. Au conservatoire il a eu comme camarades Berio, Nono, Castiglioni… des compositeurs dont il a créé, plus tard, pas mal d'œuvres. Ses vrais débuts sont une série de représentations du « Barbier de Séville ». Dès lors, son attachement pour l'univers rossinien ne se démentira jamais. L'artiste est devenu, avec Philipp Gosett, le responsable éditorial des opéras de Rossini. Ses travaux ont donné lieu à de vastes et passionnants débats ! On lui doit donc le regain d'intérêt pour ce compositeur, une renaissance qui a eu lieu dans les années 70. Toujours modeste, le chef se définit comme « un moyen de communication entre Rossini et le public d'aujourd'hui » !


Alberto Zedda: © Archives ROF

Mais l'attachement aux compositions n'est pas que livresque. Alberto Zedda est reconnu pour ses recherches sur l'ornementation et la recherche du style original. C'est dire si le public genevois bénéficiera du talent d'un chef confirmé et communicatif ! Pourquoi une telle passion pour Rossini ? Il s'en est expliqué : « J'ai doucement réalisé qu'il y avait dans cette musique – qui a mes yeux n'existait même pas – une force de chant qui est peut-être la plus poétique, l'extrême possibilité où l'interprète est aussi créateur, où il a l'occasion de participer, de donner vie à la musique et ne se contente pas d'en être le médium. Honnêtement, pour Verdi et Puccini, il suffit de bien chanter, de suivre sagement les indications du compositeur et tout est prévu pour que ça marche. L'orchestre peut-être modeste, les chanteurs peu talentueux et le chef sans inspiration : Verdi et Puccini vous feront quand même pleurer. Dans l'opéra romantique l'émotion se situe toujours aux mêmes endroits, on en connaît par cœur toutes les ficelles : le public sort ses mouchoirs au moment voulu. Rossini offre des degrés d'émotion très différents, c'est une émotion résolument plus intellectuelle, moins épidermique, elle ne saisit pas la chair et le sang des spectateurs, c'est une des choses qui m'a tout de suite interpellé. »

Ses chanteurs l'appellent Maître Yoda (en référence à au film « la Guerre des étoiles »), non sans une pointe de tendresse dans la voix ; ce sobriquet témoigne de ses connaissances reconnues de vieux sage !


Alberto Zedda dirigeant une “masterclass“

Comme tout chef de premier plan qui se respecte, ses intérêts ne sont pas monothématiques ! On l'a vu aborder d'autres esthétiques : ses recherches sur le « Couronnement de Poppée » font autorité, et, durant sa longue carrière, il s'est produit sur d'innombrables scènes, avec beaucoup d'artistes différents. Après avoir enseigné quelques années au Cincinnati College of Music, il a travaillé au Deutsches Oper de Berlin, puis au New York City Opera pour ensuite effectuer un passage remarqué à Covent Garden ! Mais l'amour de son pays ne l'a jamais quitté, puisqu'il a été à la tête du Festival Rossini de Pessara pendant de longues années... après avoir été directeur de la Scala de Milan !
Ce vétéran s'estime très heureux dans la longue carrière qui a été la sienne : « J'ai toujours exercé ma profession avec enthousiasme et passion, des qualités qui, les années passant, me paraissent toujours plus essentielles ; même si le doute est la fatigue me saisissent parfois, ces valeurs prennent toujours plus de force en moi. Pour ce qui est de Rossini, plus le temps passe, plus je suis amoureux et passionné par lui ; j'essaie de le comprendre toujours mieux, ainsi que l'esprit de la culture de son temps. »

Pierre Jaquet

Disques chez Naxos

Grand Théâtre de Genève, entre le 4 et le 19 septembre (à 17 ou 20 heures) : « Le Barbier de Séville » de Rossini
Direction musicale : Alberto Zedda. Mise en scène : Damiano Michieletto. Direction choeurs : Ching-Lien WU. Avec, en alternance : Juan Francisco Gatell / John Tessier (Almaviva). Eduardo Chama / Alberto Rinaldi (Bartolo). Jane Archibald, soprano / Silvia Tro Santafé, mezzo (Rosina). Tassis Christoyannis / Pietro Spagnoli (Figaro). Orchestre de la Suisse romande

Paris : le Ballet de Novossibirsk

Stéphanie NEGRE — 2010-08-01T11:21:00Z

Dans le cadre du festival Les Etés de la danse de Paris, le Théâtre du Chatelet accueille, du 7 au 24 juillet 2010, le Ballet de Novossibirsk. Dirigée depuis 2006 par l'ancien soliste du théâtre Mariinski et « principal dancer » du New York City Ballet, Igor Zelensky, la compagnie, la troisième de Russie, présente trois programmes différents : une soirée consacrée à George Balanchine, Le Lac des cygnes et La Bayadère.

Le programme consacré à George Balanchine débute par Sérénade. Inspiré des Sylphides de Michel Fokine, le ballet est une succession de situations, d'ambiances amoureuses, celles des relations légères, passionnées ou mélancoliques. L'œuvre laisse la part belle aux femmes qui, si elles n'apparaissent jamais comme dominatrices, semblent toujours détenir la clé du cœur des hommes. Sérénade donne vie à la conception de George Balanchine des relations entre les hommes et les femmes en déployant toutes les subtilités de son vocabulaire chorégraphique, notamment dans les positions du corps. Sur scène, les danseuses de la compagnie peinent à trouver leurs marques. Les attitudes classiques ressortent, gommant les caractéristiques du style Balanchine et laissant, notamment lors de la première scène, une impression de travail inabouti.

Apollon, sur la musique d'Igor Stravinski, met en scène le dialogue entre le dieu de la musique et les muses de la poésie, de la pantomime et de la danse. C'est l'occasion de découvrir Semyon Velichko, premier danseur du Ballet de Novossibirsk, dans le rôle d'Apollon. Avec beaucoup d'élégance, de finesse mais aussi une incroyable majesté, il porte le ballet du début à la fin. Eclipsant les trois danseuses qui l'entourent, il nous fait partager, dans son sillage, quelques dizaines de minutes sur l'Olympe.
Le pas de deux présenté à la suite permet d'apprécier la virtuosité technique des premiers danseurs Elena Lytkina et Ivan Kuznetsov.


Elena Lytkina et Igor Zelensky dans « Who cares ? »: Photo Ballet de Novossibirsk

Who cares ? clôt la soirée. Sur des compositions de George Gershwin, avec en toile de fond les gratte-ciels de Manhattan, Who cares ? emprunte à Broadway ses codes pour des scènes en référence aux revues de music-hall et des costumes constellés de paillettes. Igor Zelensky et l'ensemble de la compagnie s'approprient parfaitement la dynamique de l'œuvre. Who cares ? est le formidable hommage d'un artiste au pays qui l'a accueilli. En retour, George Balanchine aura donné ses lettres de noblesse à l'école américaine.

Avec Le Lac des cygnes dans la version de Marius Petipa et Lev Ivanov, revisité par Igor Zelensky, on retrouve le Ballet de Novossibirsk dans un style qu'il maîtrise à la perfection.
Fidèle à la tradition russe, la version d'Igor Zelensky laisse la part belle au personnage d'Odile / Odette et met en retrait celui du prince. Si on ne retrouve pas la profondeur psychologique de la version de Rudolph Noureïev, cette nouvelle production n'en est pas moins saisissante de beauté. Dans les costumes chatoyants et les décors Renaissance de Luisa Spinatelli, la cour et le lac sont le théâtre de l'histoire d'amour impossible entre le prince Siegfried et une jeune fille transformée en cygne. Polina Semionova, première danseuse à l'opéra de Berlin, interprète l'héroïne, pour un soir. Très expressive, elle sait exprimer aussi bien l'effarement et la grâce distante d'Odile que le charme maléfique de son double, Odette. Premier danseur au ballet de Novossibirsk, Roman Polkovnikov fait preuve de belles qualités physiques, à la fois puissant dans sa danse et juvénile dans ses attitudes, interprétant ce prince si jeune, perdu entre son amour et ses responsabilités. Les ballerines du corps de ballet composent un ensemble gracieux : la magie opère et le battement impeccable de leurs bras nous transporte une fois de plus dans le monde fantastique des femmes-cygnes.

Stéphanie Nègre

Nice : Jalons méditerranéens

Stéphanie NEGRE — 2010-08-01T11:08:00Z

Pour son deuxième programme, Eric Vu An continue de poser les jalons de sa compagnie en choisissant des œuvres en lien avec la Méditerranée. La Campanella est une création de Giorgio Mancini autour de Niccolo Paganini, mort à Nice il y a cent soixante dix ans. Viva Verdi de Luciano Cannito est un ballet plein d'humour sur les italiens. Enfin, avec Cantate 51 de Maurice Béjart, Eric Vu An rend hommage à l'un de ses maîtres mais aussi aux racines chrétiennes de la Méditerranée.

Avec La Campanella, Giorgio Mancini chorégraphie un ballet autour de la figure du compositeur et violoniste Niccolo Paganini. Qualifié de diabolique par ses contemporains pour sa virtuosité, il apparait ici sous les traits d'un personnage vêtu de rouge interprété par Eric Vu An, face à trois couples de danseurs qui incarnent les notes de musique. Pendant toute la durée de l'œuvre, les couples virevoltent, enchainant tours et pirouettes, ports de bras rapides et nerveux. Le personnage central tente de les ordonner, les harmoniser. Est-il Paganini, le compositeur qui crée une phrase musicale avec ses émotions et son alphabet ? ou bien l'interprète qui va donner vie aux notes d'une partition qui ne demanderaient qu'à lui échapper ? Précise et tendue, la danse virtuose de Giorgio Mancini traduit aussi bien la tension de l'auteur que la rigueur de l'interprète au service d'une œuvre. Dans ce court opus, il nous fait percevoir les traits de caractère d'un artiste complexe et relativement méconnu, à la fois pétillant et tourmenté.


Eric Vu An dans « La Campanella »: Photo D Jaussein

Seconde partie d'un diptyque d'inspiration chrétienne chorégraphié en 1969 sur des cantates de Jean-Sébastien Bach, Cantate 51 reprend le thème de l'Annonciation. Composées comme des tableaux vivants, les scènes montrent l'apparition de l'archange Gabriel, l'annonce à Marie qu'elle va porter le fils de Dieu, les angoisses de celle-ci puis son acceptation et, enfin, la gloire qui l'entoure. La chorégraphie de Maurice Béjart mêle le langage néo-classique, ses propres mouvements et la gestuelle religieuse, pour donner une impression de plénitude, d'harmonie avec la musique propice à la méditation. En plus d'une technique irréprochable, Céline Marcinno prête ses traits doux à la Vierge adolescente et Cesar Rubio Sancho, sa plastique de Christ contemporain à l'Archange. Leurs pas de deux, leur dialogue, me transportent dans une autre dimension, celle du recueillement.
Avec Cantate 51, Maurice Béjart prend la suite des peintres et des musiciens qui ont transposé des épisodes de l'histoire sainte dans leur art et les ont offerts à l'humanité comme support à leur prière. Cependant, à la différence de la peinture ou des œuvres lyriques, la danse estompe les références au christianisme, conférant une dimension universelle aux valeurs de l'Annonciation que traduit Maurice Béjart : l'acceptation du destin, le don de soi et le sacrifice pour l'humanité.


Celine Marccino et Cesar Rubio Sancho dans « Cantate 51 »: Photo D Jaussein

Créé en 2008 pour le ballet de Tulsa aux Etats-Unis, Viva Verdi de Luciano Cannito brocarde les italiens avec tous les clichés qui les poursuivent à travers le monde. Sur les grands airs de Giuseppe Verdi, on suit Jean-Christophe Colau qui, faisant preuve de belles qualités d'interprétation, campe un italien en terre étrangère et … passablement hostile. Il traverse moult péripéties en cumulant toutes les caricatures qui collent aux italiens : macho, accroché à son téléphone portable, amateur de pasta et de linge qui pend aux fenêtres. Luciano Cannito utilise la danse classique pour ce ballet mais n'hésite pas à l'émailler de postures physiques plus populaires qui rappellent les comédies musicales. Tout comme il n'hésite pas à interrompre un grand air d'opéra par du disco pour soustraire son héros à une situation délicate. Le ballet est drôle, enlevé, ne se prend pas au sérieux tout en ayant un regard critique sur les travers de ses compatriotes et ceux qui usent trop rapidement des idées reçues. Il ne craint pas d'utiliser l'humour comme provocation à la réflexion allant jusqu'à faire descendre Giuseppe Verdi de son piédestal pour le confronter à un autre genre : le comique.

Stéphanie Nègre

A l'Opéra de Nice, saison 2010-2011

La saison de l'Opéra de Nice pour la danse offre une programmation éclectique avec quatre programmes très intéressants, classiques ou contemporains.
Elle débute, en octobre, par Marco Polo de Luciano Cannito, librement inspiré des Villes invisibles d'Italo Calvino. Ensuite, pour les fêtes de fin d'année, Eric Vu An monte sa propre version de Don Quichotte. Le programme d'avril est consacré à la danse américaine avec En sol de Jérôme Robbins, une création de Lucinda Childs et The enveloppe de David Parsons. Enfin, la saison se termine avec Sylvia, sur une chorégraphie d'Eric Vu An, pour le rendez-vous estival au Théâtre de verdure.

Stéphanie Nègre

Le goût des lettres no. 224

Serge BIMPAGE — 2010-07-01T18:28:00Z

Deux courts textes d'un jeune bel auteur
En littérature aussi, on aime les surprises chez les romands. Quand elles viennent d'un jeune auteur, c'est encore meilleur. Emmanuel Pinget vient de publier en particulier deux courts textes que l'on ne saurait trop recommander. Le premier s'intitule à découvert. C'est l'histoire, désopilante et “bluesante“, d'un type qui s'installe seul dans un appartement. On est dans sa tête, comme on l'est chez les nouveaux romanciers, mais pas trop quand même. Très personnelle, l'écriture contemporaine joue entre réalisme et surréalisme, on songe au regretté Beckett et, bien de chez nous, à Matthias Zschokke. Le second texte, dans la même veine entre poésie et prose, nous a ravis tout autant. Tout est annoncé dans le très beau titre Quoi est à l'œuvre ? Un homme se tient campé devant un chantier. L'occasion d'une in(tro)spection riche en trouvailles littéraires originales en même temps que de réflexions sagaces sur notre société en déconstruction. « On ne pouvait pas, alors, apercevoir /ce qu'il se passait. Quelques murs/ on entendait le bruit décadent du marteau-tropiceur/à quoi étaient-ils affairés/la construction/oui mais de quoi/ « la construction » j'espère, sinon tout ce tapage/n'aurait d'autre but/que de détruire/non ils construisent. » Pas de doute, Pinget a un style très personnel. Pinget, ce nom ne vous rappelle-t-il pas un autre auteur genevois des éditions de Minuit ? Quand les gènes s'expriment…
On peut lire ces textes respectivement dans la revue Arkhaï, mars 2010 (le site www.arkhaï.com donne les adresses des librairies qui la distribuent) et dans – 36° édition (commander chez www.edition-36.net).

Un don Juan contemporain
Les livres à plusieurs voix sont à la mode. Encore faut-il les maîtriser. Tel est le cas de Mélanie Chappuis dans Des baisers froids comme la lune.
C'est l'histoire banale, on allait écrire classique, d'un quinquagénaire qui a une femme mais ne s'en contente pas et tombe raide amoureux d'une autre plus jeune que lui de vingt-sept ans. Or toute la saveur de cet amour réside dans le désir, ce qu'il révèle et les souffrances qu'il engendre inéluctablement, racontés respectivement de chaque point de vue.
« Il vient ce soir. Je vais pouvoir me faire belle et me sentir belle. Oublier un peu que je suis mère. Mon mari n'arrive pas à me faire oublier que je suis une mère. Mon mari, je ne l'accueille plus en minijupe et talons lorsqu'il rentre du travail. » Voici pour Anna. Quant à Victor, rédacteur en chef du Journal du Léman, le plus grand quotidien de Suisse romande, il tente aussi bien de se rassurer par la séduction : « Les très belles et les très jeunes, je me contente de les séduire. Ça me donne de la force, de la puissance. Si je les amenais dans mon lit, ce sont elles qui auraient le dessus. Au lit je ne suis ni fort ni puissant, je suis juste moi qui bande moins souvent, moins longtemps. »


Amélie Plume

Il a du pouvoir, un peu d'argent, beaucoup d'influence mais ne s'en satisfait pas. Elle est belle, mère d'une adorable fillette, mariée à un homme qui a beaucoup d'argent mais cela ne suffit pas. Il faudra bien des semaines, des rencontres, et des échanges de courriel pour qu'ils réalisent que l'insatisfaction est le lit de leur coupable amour. Certes, on n'atteint pas ici le degré d'intériorité d'Une passion simple de Annie Ernaux. Il n'empêche que Mélanie Chappuis parvient à embarquer son lecteur avec une redoutable efficacité. L'alternance des voix sonne avec une extrême justesse. Il y a beaucoup à (ap)prendre dans ce duo de don Juan contemporain.
« Des baisers froids comme la lune », par Mélanie Chappuis. Editions Bernard Campiche, 205 pages.

Quand le cœur saigne
Il faut avoir le cœur, les nerfs et le reste bien accrochés pour lire Cancer du Capricorne. L'auteur y raconte son histoire personnelle. Celle d'un homme atteint d'un cancer et dont le fils tombe dans le coma après un accident de voiture. Ecrit sans la moindre complaisance ni concession, ce récit de vie à la limite du soutenable se lit d'un trait. On se réjouit que ça finisse, le moins mal possible. L'intérêt, on l'aura deviné, n'est pas littéraire au premier chef. Il est dans ce que Jean-Jacques Busino nous fait découvrir du monde hospitalier, et là, cela n'est pas non plus un jardin de roses, pas plus que celui des assureurs et des avocats. Ajoutons qu'il y a aussi une bonne dose de résilience, dans ce livre. C'est avec un vif intérêt qu'on suit l'auteur dans son noble et courageux chemin vers la reconstruction de soi au travers de l'écriture.
« Cancer du Capricorne », par Jean-Jacques Busino. Editions Rivages, 184 pages.

Le Québec vu du ciel
C'est la chronique des jours heureux. Et pour ceux qui aiment le Québec, le fleuve Saint-Laurent et l'histoire de ce pays, c'est un régal. Amoureuse, la narratrice s'envole rejoindre son consul en laissant tout ici sans presque se retourner. Elle emporte son lecteur dans ses valises, lui faisant découvrir, au travers de son journal de bord, ce pays d'adoption qu'on adopterait pour moins que ça. Au-delà des tours dans l'avion du consul et des réceptions, Amélie Plume, dont l'écriture est toujours aussi savoureuse, nous emmène chez les gens, petites et grandes, démontre leur légendaire gentillesse, leur inépuisable énergie et joie de vivre. On ne lui en voudra pas, diplomatie oblige, de se cantonner à une posture particulièrement politiquement correcte.
« Chronique de la côte des neiges », par Amélie Plume. Editions Zoé, 191 pages.

Serge Bimpage

Discographie récente : Simon Rattle

Pierre JAQUET — 2010-07-01T18:28:00Z

Dans un répertoire saturé d'excellentes versions, le chef britannique et ses musiciens berlinois tirent leur épingle du jeu avec goût, en misant sur un défilé d'images orchestrales.

Tel un ange malicieux, le chef aux boucles grises offre un subtil et opulent bouquet instrumental. Les parutions récentes, centrées bien évidemment sur le XIXe et la première moitié du XXe siècle, s'apprécient dans une lecture savamment allusive, qui, si elle témoigne d'une volonté de ne jamais gaspiller les moyens, n'en est pas moins riche, colorée et contrastée.

Le jeu des références
Plusieurs gravures se placent dans un jeu érudit de citations et de référencements d'images musicales. Dans cette série, la Symphonie Fantastique, de Berlioz, est la partition la plus ancienne. Le chef ne se préoccupe pas de lecture historique ou de travail avec les instruments anciens. Il est avec un orchestre moderne et il l'assume ! Mais les perspectives diachroniques ne sont pas absentes : en réalité, le maestro s'attache à mettre ces notes en perspective avec la suite de l'évolution de la musique, plutôt que de les présenter comme le produit d'un milieu ou d'un processus évolutif. D'un motif à l'autre, la progression est souvent épisodique, “à la Mahler“. La somptuosité sonore, mais aussi le grinçant de certaines portées, présagent Liszt ou Tchaïkovsky. Mais surtout Simon Rattle cherche à mettre en valeur la dimension onirique inhérente à ce texte : Certains segments semblent apparaître puis s'évanouir, telles des séquences cinématographiques en “fondu enchaîné“ [EMI 2 16224 0]
Comme placés à l'autre bout d'une splendide arche acoustique se situent les Tableaux d'une exposition de Moussorgsky/Ravel. Aux retentissements de certains instants répondent des motifs sarcastiques que ne renierait bien évidemment pas Chostakovitch. Tout cela est magnifiquement teinté, et s'apprécie véritablement en reflet de la symphonie du Français ; le mélomane perçoit là comme une suite de diapositives symphoniques, comme un groupe de toiles liées entre elles par un climat de rêve et surtout de remémoration. [EMI Avec la Symphonie n° 2 de Borodine EMI 5 17582].


Simon Rattle et l'Orchestre Philharmonique de Berlin

Le XXe siècle est surtout servi par trois symphonies de Stravinsky, et là encore le parallèle avec l'univers optique s'impose. Le trait est souvent nerveux, mais toujours précis. Le jeu des échos renvoie à cet art visuel et plastique qui, dans cette période, a fait exploser ses limites. Il y a de l'accidentel, du brisé et de l'anguleux. Mais, comme s'il avait un rétroviseur devant lui, le chef opère aussi d'étranges et fascinants rapprochements avec Joseph Haydn, en insistant fortement sur certains caractères néo-classiques constitutifs de cette production, et singulièrement dans la Symphonie en trois mouvements. [EMI 2 07630 0]

Un défi redoutable
On ne s'engage pas dans les symphonies de Brahms sans risque. Tant de versions somptueuses ont éclairé le répertoire. La mission du chef est délicate, car il doit, surtout en de telles circonstances, éviter la redite sans donner dans l'excentrique ni l'anecdotique. Dans une série aussi souvent enregistrée, la tâche est fort ardue. Globalement, le directeur choisit de privilégier le lyrisme plutôt que le dramatisme. On prétend que la Première Symphonie a été esquissée après la mort de Schumann ; plutôt que d'exprimer un pathos, la baguette dessine une nostalgie triste. Mais la partition, tend aussi, dans les deux dernières parties, vers une quête de la consolation.
Dans la Deuxième, la musique s'écoule tel un flux musical. Pour cette “pastorale“, les portées sont représentées dans une forme remémorative plus réconfortante. Tel un metteur en scène, Sir Simon fait défiler des paysages sonores chaleureux et apaisants, comme s'il s'agissait de servir un ballet aux tons poétiques. Ces dernières caractéristiques s'appliquent encore plus à la Troisième, une partition servie avec une grande économie des moyens, sans pour autant que ne manquent ni la tendresse, ni le lyrisme. Tout comme la Première, la Quatrième se place dans une recherche de la lumière. Toujours très esthétisant dans sa lecture, le maestro tend des ponts vers l'univers impressionniste... [EMI 2 67254 2]

Mahler : un tragique intériorisé
Un critique a dit que Mahler avait mis du temps à pouvoir évoquer ses sentiments après la mort de sa fille, et que la Neuvième symphonie révélait davantage ce traumatisme que le pressentiment de sa propre fin. La lecture des Berlinois paraît bien dans cette ligne sombre, accablée et parfois ricanante. Le premier mouvement est particulièrement inquiétant, douloureux. Jouée comme cela, la musique de ce compositeur témoigne d'une quête de soulagement et de rédemption, après cette étape tragique. Le deuxième morceau est grave, grotesque, “paysan“ dans le sens dérivé du terme. Mahler, privé de lumière, semble s'enfoncer dans le désespoir et le rictus. La partie suivante est dure, lourde, parfois heurtée, tandis que le Final est élégiaque et douloureux. Privé de transcendance, le compositeur, qui n'a pas trouvé son Graal, boit sa douleur jusqu'à la lie... Il serait toutefois faux de croire que les interprètes versent dans un pathétisme à bon marché ou dans le cliché facile. Le ton est toujours pudique, et si les sentiments s'expriment, il n'y a jamais d'excès ni de faute de goût. [EMI 5 01228]

Pierre Jaquet

Paris : “Orphée“

Stéphanie NEGRE — 2010-07-01T18:27:00Z

Présenté du 19 mai au 19 juin 2010 au Théâtre national de Chaillot, Orphée est la nouvelle création de José Montalvo et Dominique Hervieu. Pour leur version du mythe du poète grec, le duo de chorégraphes a conçu un spectacle qui mêle vidéo, opéra, musiques du monde et danse.

Orphée débute par une vidéo : un jeune homme se promène sur les quais de Seine, trouve un livre sur Orphée et se plonge dans sa lecture. La suite du spectacle s'articule autour des extraits des opéras de Claudio Monteverdi et de Christophe Willibald Glück, joués et chantés en direct sur scène, et du récit de la vie d'Orphée. La vidéo est omniprésente ; elle sert de décor, illustre le récit ou nous montre les danseurs dans des situations qui semblent parfois très éloignées de l'histoire.


« Orphée »: Photo Laurent Philippe

Entre les séquences chantées ou récitées s'intercalent des morceaux de danse. Dans Orphée, la danse ne porte pas le propos, c'est le chant et le récit qui le font ; elle ne l'illustre pas non plus. En effet, la chorégraphie mêle, tout au long du ballet et dans une même scène, des styles différents, classique, contemporain, populaire, hip hop, arts du cirque, rendant l'ensemble particulièrement décousu. Les danseurs courent dans tous les sens, sautent, piaillent. On perd le fil. Dans ce désordre, la danse devient anecdotique, ce qui est dommage pour les artistes qui, tous, individuellement, ont du talent. Parfois, une scène ressort, un moment de grâce, tel le face à face entre une danseuse sur pointe et un échassier ou bien le pas de deux réunissant un danseur et un hip-hopeur unijambiste.

Alors, que ressent-on devant ce spectacle ? Le manque de cohérence dans les scènes qui se succèdent fait qu'on peine à entrer dans l'œuvre et à apprécier chaque expression artistique. Cela laisse perplexe. Traité par José Montalvo et Dominique Hervieu, le mythe d'Orphée, la figure tutélaire des poètes, l'amoureux qui descendit aux enfers rechercher sa bien-aimée, devient un prétexte à un divertissement. Il n'est plus question d'art, de beau, d'amour éternel mais d'un spectacle qui se laisse regarder… Certes mais, au fond, quel en est l'intérêt ?

Stéphanie Nègre

Affiche de septembre 2010

2010-08-28T16:37:39Z

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